Կենտրոնացեք տպավորիչ շրջագայության վրա Paul J. Getty թանգարանում բոլորի համար, ցանկացած վայրում:

Վերջերս ես այցելեցի LA և PJGM: Դա մի փորձ էր, որը ես փայփայում եմ շատ երկար ժամանակ: Ես բազմիցս եղել եմ թանգարաններում և լսել տուրիզմի ուղեցույցներ և նրանց պատմությունները, բայց ոչ մեկը, որը ինձ ոգեշնչեց և հետաքրքրեց, ինչպես PJGM- ում եղածը: Հաշվի առնելով, որ մեր ուղեցույցը շատ դրդապատճառ և հոդաբաշխ էր Արվեստի պատմության պրոֆեսոր, դա չպետք է անակնկալ լիներ, բայց այդպես էր: Ես ուզում եմ, որ այնտեղ գտնվող բոլոր անձինք ունենան նույն փորձը և լսեն նույն պատմությունները, որոնք ես արեցի: Ես չեմ պատրաստվում գրել այս գրառումը պարզապես վերցնելով այն, ինչ ասել է պրոֆեսորը, բայց կավելացնեմ այն, ինչ գիտեմ արվեստի գործի մասին և կփորձեմ հնարավորինս տեղեկատվական դարձնել:

Հնդկաստանի թանգարաններում արվեստի մեծ մասը պատկերում է դիցաբանական և կրոնական կերպարները: Հաճախ ես մտածում էի, թե ինչու մարդիկ իրենց առօրյային չեն համարել այնքան կարևոր, որ նկարվեն և արտահայտվեն: Անշուշտ, քարանձավ նկարիչները ցանկանում էին պատմել մեզ իրենց պատմությունը, բայց ճանապարհի մի մասում ՝ թագավորները, տաճարները, Մահաբհարատան և Ռամայանան, գերակշռում էին առօրյա կյանքը: Բայց մեզանից յուրաքանչյուրը պատմելու պատմություն ունի, և այս պատմություններից մի քանիսը արժանի են լսել շատերի կողմից: Իմ այս մտքերը կտրականապես ռեզոնանսվում են իմպրեսիոնիստների հետ, և ես ուրախությամբ էի դա իմացել:

Երբ Վերածննդի շրջանի նկարիչները զբաղված էին աստվածաշնչյան և դիցաբանական կերպարներ նկարելով, իմպրեսիոնիստները ցանկանում էին արտահայտել իրենց կյանքը, քանի որ նրանք համարում էին, որ դա ավելի կարևոր է:

Շրջայցը սկսվեց մի կարևոր դասով. Դարաշրջանի արվեստը հասկանալու համար պետք է այն համեմատել տարբեր դարաշրջանի արվեստի հետ `ավելի լայն և խորքային հեռանկար ստանալու համար: Այսպիսով, մեր շատ տաղանդավոր տուր ուղեցույցը մեզ ցույց տվեց այս նկարը.

Danaë- ն ու ոսկու ցնցուղը

http://www.getty.edu/art/collection/objects/133975/orazio-gentileschi-danae-and-the-shower-of-gold-italian-1621-to-1623/

Այնուհետև նա խնդրեց գուշակել, թե մենք ինչ ենք կարծում, որ հատուկ է այդ մասին: Շատերը ճիշտ ստացան, լույսն էր: Սրանք նկարներ են, որոնք լույս են օգտագործում հեռուստադիտողի մեջ երդման զգացողություն ստեղծելու համար: Սա Դանեայի նկարն է, որը խրված է ոսկու ցնցուղով: Երբ Դենան ծնվեց Արգոսի Արքիսիս թագավորի հետ, Օրակլը մարգարեություն արեց, որ նա կբերի մի որդի, որը կքանդի թագավորին: Ակնհայտ է, որ թագավորը դրանում լավ չէր: Նա բանտարկեց նրան ՝ ապահովելով, որ նա երբեք չի կարող հղիանալ: Ոչ մի երեխա, ոչ մի տապալում, բայց Յուպիտերը ՝ ոսկե ցնցուղի տեսքով, խթանում է նրան (հունական դիցաբանություն): Նա ծնում է Պարսեոսին, ով հետո ի վերջո տապալում է թագավորին:

Հաջորդը նա մեզ ցույց տվեց այս նկարը.

Ղովտն ու նրա դուստրերը

Սա կրկին բիբլիական պատմությունից է: Կրկին նկատեք գույների հարստությունը: Եվ ինչպես նկարչության մեջ օգտագործվել են առաջնային գույները ՝ կարմիր, կապույտ և լավ դեղին (ոչ առաջնային, բայց հավասարապես հարուստ): Նկարչական այս ոճը կոչվում է բարոկկո, որտեղ դրամատիզացումը ստեղծվում է գույների հարստության և համարձակության միջոցով: Մաշկը իսկապես հարստացել է: Եվ այստեղ ամեն ինչ նկատելը աստվածաշնչյան պատմությունն է և դրա պատկերումը: Ղովտը դեմքին չափազանց կարմիր է: Նա հարբած է: Ավելի ճիշտ, նրա դուստրերը նրան հարբեցին: Ինչո՞ւ Քանի որ նրանք ուզում էին, որ նա քնի նրանց հետ (!!), քանի որ նրանք կարծում էին, որ նա միակ մարդն է, ով մնացել է կենդանի, և, հետևաբար, ուզում էին, որ նա անպատկերացնի նրանց: Նրանք մատնանշում են իրենց Սոդոմ քաղաքը: Սոդոմը քաղաքն էր, որը նախատեսված էր ոչնչացման համար, բայց անկյունները զգում էին, որ շատ բաներ և նրա ընտանիքը չափազանց ազնիվ են ինչ-որ վատ բանի համար: Այսպիսով, նրանք նախազգուշացնում են նրանց մոտալուտ աղետի և վիճակահանության մասին, և նրա կինը և նրա դուստրերը լքում են քաղաքը ավելի ապահով վայր: Բայց ինչ պատահեց նրա կնոջ հետ: Այո, ճիշտ ստացաք: Սյուն աղ: Նրան խնդրեցին ետ չ նայել Սոդոմին, բայց նա արեց և BAM: Սյուն աղ:

Telemachus- ի և Eucharis- ի հրաժեշտը

http://www.getty.edu/art/collection/objects/806/jacques-louis-david-the-farewell-of-telemachus-and-eucharis-french-1818/

Ժակ Լուի Դեյվիդը ֆրանսիացի վերածննդի նկարիչ էր: Նա հետևեց վերածննդի արվեստի իդեալներին, որտեղ արվեստը ենթադրաբար պետք է պատուհան դներ առասպելական աշխարհին: Ենթադրվում էր, որ ձեզ տեղափոխում և տեղափոխում են այլ աշխարհ: Նա նաև շատ ավանդական նկարիչ էր: Նա շատ ավանդական պատկերում է սեռերը: Նայեք, թե ինչպես է տղամարդը ուժեղ և ուղիղ և ինչպես է կինը հենվում նրան շատ փափուկ վարդագույն և կանաչ զգեստով, կարծես ծաղիկ է, իսկ տղամարդը կապույտ է հագնում: Նա Նապոլեոնի պաշտոնական նկարիչն էր: Եվ արեց իր համար շատ հայտնի այս նկարը, որը նա համարեց իր ամենավատ գործը.

Վերադառնում ենք բնօրինակ նկարին: Այսպիսով, Telemachus- ը Հոմերի կողմից Օդեսիայից Ոդիսևոսի որդին է: Telemachus- ը գտնվում է իր հոր որոնման մեջ, և նա անձնազոհության գործիչ է, և Eucharis- ը Կալիպսոյի զզնգոցն է, որտեղ նա գնաց իր հորը որոնելու: Եվ ահա, նա սիրահարվում է նիմֆին: Բայց լինելով անձնազոհության գործիչ, նա պետք է շարունակի իր ճանապարհը և իր սերը թողնի իր հետևից: Այս նկարում նրա արտահայտության մասին շատերը վիճում են: Ո՞վ է այստեղ ամենատխուրը, հարցրեց մեր ուղեցույցը: "Շունը!" լավագույն պատասխաններից մեկն էր: Բայց որոշ մարդիկ ասում են, որ Telemachus- ը երջանիկ է թվում: Լավ մրցավազք: Ես ավելի լավ եմ առաջ շարժվել: Հասկանալի է, որ նա հեռու է մղում, բայց այնտեղ գտնվող ռոմանտիկների համար նա նույնպես կարող է դիտվել որպես հենվելով: Միգուցե նա հակասական է: Այս կնոջ հանդեպ իր սիրո միջև ընկած ժամանակահատվածում նա պարզապես հանդիպել է անձնազոհ հերոսի պատասխանատվության, որը ճանապարհորդում է իր հայրը գտնելու համար, կամ գուցե նա ասում է լավ լկտիություն: Ով գիտի. Ես ձեզ թողնում եմ, որ որոշեք .-) Դա արվեստի գեղեցկությունն է:

Ինքն իրեն պաշտպանող մի երիտասարդ աղջիկ, որը դեմ էր էրրոզին

Ուիլյամ-Ադոլպե Բուգուերոյի նկարը: Բուգուերոյի մասին շատ բան կարելի է ասել: Բայց նախ ինչի՞ն եք ատում այս նկարը: Իմ անմիջական արձագանքն այն էր, որ ես դուր չեմ գալիս հրեշտակների ագրեսիվ արտահայտությունը: Գրեթե նման է, որ նա ասում է, որ ինքը պատկանում է կնոջը և կարող է բարձրանալ նրա վրա: Նա անսասանորեն բարձրանում է նրա գրկից: Բայց կնոջ արտահայտություններն էլ ավելի հետաքրքիր են: Նրա խստագույն զենքը ցույց է տալիս, որ նրան հեռացնում են: Ինչո՞ւ Քանի որ նա Էրոսը կախարդական աղեղով է: Ի՞նչ է պատահում, երբ աղեղը հարվածում է նրան: Այո, նա սիրահարվում է: Նրան հեռացնում են, բայց հենվում են: Այս կինը, անշուշտ, հակասական է: Գուցե նա որոշում է կայացնում, և նա դեռ չի արվել .-):

Բուգուերոյի մասին: Նա Ակադեմիայի անդամ էր և ամեն տարի Փարիզի սրահում ներկայացնում էր տարեկան ցուցահանդեսին: Եվ ցուցանմուշները նման էին խճանկարների: Քանի որ այդքան շատ նկարներ ցուցադրվեցին, նրանք չունեին տարածքի շքեղություն: Այսպիսով, արվեստագետները ստիպված էին ինչ-որ բան անել, որպեսզի առանձնանան և տնտեսապես հաջողակ լինեն: Եվ Բուգուերոն ամենաարդյունավետներից մեկն էր: Եվ ինչ հնարք է նա օգտագործել այնտեղ հասնելու համար: Նա պատրաստեց հսկայական նկարներ, որոնք ստիպված էին ուշադրություն գրավել: Նա ավելի փոքր նկարներ էր նկարում սրահում իր գործը գնած մարդկանց համար և դրանք նույնն էին ՝ նույն խոզանակ հարվածով: Սա ձեզ ասում է, որ նա շատ մեթոդական էր: Նա ամեն ինչ պլանավորված էր: Յուրաքանչյուր խոզանակ հարվածը ճիշտ տեղում էր: Իմպրեսիոնիստները ատում էին այս մեթոդաբանությունը: Բայց դե, Բուգուերոն չափազանց գոհ էր իր արածից և իմպրեսիոնիստները այդ ժամանակ նույնիսկ չէին ներկայացել սրահում ներկայանալու:

madame brunet ֆրանսիական դիմանկարը

http://www.getty.edu/art/collection/objects/258736/edouard-manet-portrait-of-madame-brunet-french-1861-to-1863/

Էդուարդ Մանեթը, Էդգար Դեգասը և Կլոդ Մոնեն բոլորն իսկապես լավ ընկերներ էին: Մանեթը մեծ մասը վճարում էր Մոնեի վարձավճարը: Էդգար Դեգասը բալետի տղա է և նկարել է շատ բալերներ:

Վերջերս Մանեթի ամուսնացած քանդակագործ ընկերներից մեկը ցանկանում էր, որ նա նկարի իր նոր հարսնացուի դիմանկարը: Եվ Մանեթը նկարեց սա: Շրջագայության շատ մարդիկ հավատում էին, որ նա կարծես թաղման է գնում: Արվեստի պատմության մի ուսանող ծիծաղեց այդ մասին: Նա ասաց, որ դա համարյա թե համարժեք է թաղման կարմիր լարով բիկինիին: Հագուստի շողոքորթը այն դարձնում է սուպեր գռեհիկ `թաղման համար: Դա շատ շքեղ զգեստ է: Դարչինի գույնի ձեռնոցները պատմում են, որ դա իր օրվա զգեստն է: Նա նաև ցույց է տալիս իր մատանին ՝ նշելով, թե ինչպես է նա նոր հարսնացու: Արվեստի պատմության մի այլ ուսանող, ով իր թեզն է կատարել այս նկարչության վերաբերյալ, նշեց, որ այդ ժամանակ այդ կինն ուներ ընդամենը մեկ նպատակ ՝ գեղեցիկ տեսք ունենալ ամբողջ օրը: Դա այն ժամանակն էր, երբ Փարիզում մանրածախ առևտրի կետերը նոր էին սկսել բացվել, և մարդիկ ուզում էին տարբերվել և չկրել զանգվածային արտադրատեսակներ: Նա պետք է փոխեր իր հագուստը օրվա ընթացքում 8 անգամ:

Շատերը նույնպես զգում էին, որ նա իրեն թշնամական է թվում: Եվ լավ է, որ նա նույնպես զգաց այդպիսին: Երբ նա եկավ հավաքելու այս նկարը, նա արցունքներով հեռացավ Մանետի արվեստանոցից: Նա ատում էր այն և չէր գնել այն նրանից: Այն մնաց Մանեթի ստուդիայում ՝ որպես իր անձնական հավաքածուի մի մասը: Բայց ինչու՞ է դա արել Մանեն: Մանեն հարուստ տղա էր: Տպավորելու համար նրան պետք չէր նկարել: Նա նկարեց իր ուզածը և տեսածը: Եվ միգուցե, երբ նրան տեսավ, տեսավ տգեղ կնոջ: Կամ գուցե նրա հագուստն ու դրանց հյուսվածքն ու այլ մանրամասները նրա համար ավելի կարևոր էին, քան նրա դեմքը: Այդ ժամանակ Մանեթը մեծապես ոգեշնչված էր նաև իսպանացի նկարիչներից (Ֆրանցիսկո Գոյա և Եվգենիո Լուկաս Վելացկես), ովքեր մեծապես կենտրոնանում էին նկարներում հագուստի հյուսվածքի և տեսքի վրա:

Արևածագը

Ի՞նչն է ձեզ ամենից շատ զարմացնում, երբ նայում ես այս նկարին: Միգուցե դա նրա գերլարվածությունը: Հավանաբար, ամբողջական չէ: Եվ լույսն ու արտացոլումը: Գրեթե այնպես, կարծես նկարիչը պարզապես ցանկացել է կենտրոնանալ լույսի վրա, և մնացած ամեն ինչ պարզապես ֆոն էր դրա համար: Իրականում Մոնեի իրական թեման իսկապես թեթև էր: Նրա տեսակետն այն էր, որ երբ արևը բարձրանում է իր կարճ հաջորդությունների արագ հաջորդականությունը, և մռայլությունը գրավում է այն փաստը, որ արևածագն այդքան թռիչքային է:

Իմպրեսիոնիստները ձևավորում էին նկարչի և քանդակագործի անանուն հասարակությունը (շատ ստեղծագործական անուն ՝ ճիշտ), և նրանց հաճախ էին քննադատում առերևույթ թվացող անավարտ գործը ներկայացնելու համար, բայց ակնհայտորեն նրանք այդքան էլ հոգ չէին տալիս:

Wheatորենի կուտակ հարևանների դաշտում

Լույսի նման լույսի պատկերացումը Մոնետի մեկ այլ կտավում, այն կորցնում է քաշը: Երբ փորձում եք լույս նկարել որպես հիմնական առարկա, դա ակնհայտորեն տեղի կունենա: Likeիշտ այնպես, ինչպես վերը նկարում:

Այստեղ նշելու շատ բան կա: 1942 թվականն էր, երբ հորինվեց նավթի ներկեր: Դա նշանակում էր, որ դուք ստիպված չեք եղել փոշի ներկ վերցնել և դրանք յուղերով և ներկով խառնել: Դուք պարզապես կարող եք կրել ձեր նկարչական հավաքածուն և նկարել այնտեղ, որտեղ ցանկանում եք: Այսպիսով, այս դարաշրջանում նկարների չափերը փոքրացան: Նաև իմպրեսիոնիստներին կրկին քննադատեցին `փոշի ներկերը չօգտագործելու համար, որոնք ակնհայտորեն ավելի լավ էին համարվում: Յուջին Դելակրոյսը կարծում էր, որ գորշը նկարչության թշնամին է: Դեյվիդ և Բուգուրան ստվերի տակ ուներ մոխրագույն երանգ, բայց իրականում դա այն չէ, թե ինչպես ենք մենք ընկալում ստվերը, այն ավելի մանուշակագույն է, քան մոխրագույնը: Հետևաբար նկարում ոչ մի մոխրագույն չես տեսնում, և բոլոր ստվերները մանուշակագույն են:

Լանդշաֆտ Լուվեսյենում (Աշուն)

Կամիլլ Պիսարոն «Սեզզանի» դաստիարակ էր: Այս նկարում դուք կարող եք տեսնել իսկապես կարևոր մի բան այն մասին, թե ինչպես է նա նկարել և ինչպես է նա կարծում, որ նման է նկարչության կազմը: Հասկանալու համար, որ ես խստորեն խորհուրդ եմ տալիս դիտել Բոբ Ռոսը Netflix- ում, և թե ինչպես է նա նկարում շերտերով: Նա նախ նկարում է երկինքը, ապա ջուրը, ապա արևածագը և դրա բոլոր շերտերը: Pissarro- ն նկարեց ամեն ինչ միասին: Likeիշտ այնպես, ինչպես եք տեսնում բաները: Դուք չեք տեսնում երկինքը, ապա ծառը, ապա երկիրը: Դուք դա միանգամից տեսնում եք, և այդպես էր նա սիրում նկարել:

Pissarro- ն շատ հաջողակ մարդ էր, բայց նրան դժվար թե դուր գա որևէ մեկը: Չեզզանը ջանասիրաբար փորձեց իր համար դրական հեղինակություն ստեղծել: Եվ նա օգնեց Սեզանին հասկանալ կազմը:

La Promenade

Սա նաև ռոմանտիկ նկար է: Ի՞նչ եք տեսնում սրանում: Արդյո՞ք այս կինը նույնպես որոշում է կայացնում .-) Ինձ համար Renoir- ի այս կտավը այս կնոջ հագուստի մասին է: Հագուստն ունի նման փետուր վրձինների գործ: Եվ նա խառնվում է ծառերն ու մարդիկ և շրջապատը: Սահմանները բոլորը մշուշոտ են: Սա այն ժամանակներից է, երբ Փարիզի նեղ փողոցները վերածվել են լայն բուլվարների, և մարդիկ նահանջել են քաղաքից հեռու գտնվող զբոսայգիներ ՝ մխիթարության համար: Այնտեղ, երբ Մոնեթը լույսի և ջրի մասին է, Ռենուարը մարդկանց մասին է: Այլ նկարիչներ գիտեն, որ ասում են. «Ես տեսնում եմ այդքան գեղեցիկ Renoir» ՝ մարդկանց անվանելով Renoir: Նա շատ էր հետաքրքրում մարդկանց, հարաբերությունների և դրա հետ կապված բոլոր դրամայի համար:

Իրիսիս

Արդյո՞ք ես ընդամենը մեկ շաբաթ եմ ծախսել բլոգ գրելիս, որպեսզի կարողանամ գրել այս նկարչության մասին: Ես դրա մասին երկու գիրք եմ գնել:

Պարզապես ծաղիկների նկարելը կարող է զգալ: Բայց նայելով, դա ձեզ է շարժում, կամ ենթադրում եմ, որ դա ինձ շարժեց: Սա նկարել է Վինսենթ Վան Գոգը, երբ նա իրեն հոգեբուժարան է հանձնել, և նրա սենյակից երևում էր, որ կան վայրի և անսանձ ծղոտներ, որոնք ծաղկում են: Վան Գոգը և այդ դարաշրջանի այլ նկարիչներ ազատագրվեցին լուսանկարչության գյուտի պատճառով: Դուք ուզում եք, որ պատկերված լինի նույն իրականությունը, գնացեք լուսանկարվեք: Նկարիչները այլևս պետք չէ դա անել: Նրանք կարող էին նկարել իրենց երևակայությունը: Վինսենթ Վան Գոգը օգտագործում էր գույնը ՝ մարդկանց հուզական և հոգեբանորեն հաղորդակցվելու համար: Նման հարուստ գույները իրական կյանքում գոյություն չունեն: Դրանք նրա մեկնաբանությունն են: Նա իր գույնը չթուլացրեց մոխրագույնով: Փաստորեն, խողովակի գույնը մեծ մասամբ դրվեց կտավների վրա, և դուք կարող եք տեսնել խոզանակի հարվածները հողում: Նկարչության այս տեսակը կոչվում է կոտրված խոզանակի հարվածային ներկ: Այս նկարչության ամենակարևոր և նկատելի տարրը միայնակ սպիտակ իրիսն է: Ինչո՞ւ է այն տեղադրել Վինսենթ Վան Գոգը այնտեղ: Արդյո՞ք նա արտացոլում էր, թե ինչպես էր նա զգում: Մեկուսացված, մենակ և տարբեր: Նա դա նկարեց իր կյանքի վերջին մեկ տարում և հաստատ, որ այդ մեկնաբանությունները հավանական են թվում, քանի որ նա կրակել է կրծքին և սպանել իրեն: Բայց եթե դուք կարողանաք այդ ռոմանտիկ արթնացնել ձեր ներսում և ինքներդ բացեք այս նկարների մեկնաբանման համար, կտեսնեք, որ գուցե սա եզակի ծաղիկ էր ՝ առանձնանալով այլ ծաղիկների ամբոխի մեջ: Միգուցե եզակի լինելը հենց այդ հիանալին է, և պարտադիր չէ միշտ ձուլվել ամբոխի հետ: Եվ այդքան եզակի լինելով `դուք պարզապես ծաղիկների նկար եք դառնում մի միլիոն դոլար արժողությամբ արվեստի վարպետի կտորի մեջ .-)

http://www.getty.edu/art/collection/objects/102380/paul-cezanne-still-life-with-apples-french-1893-1894/

Մինչ Վան Գոգը էներգիայի կատաղություն էր նկարում և 10 տարվա ընթացքում 900 կտոր հարդարում էր, ապա դա նկարելու համար Սեզանին 2 տարի է պահանջվել: Պարզապես մի քանի ծաղկամաններ և մրգեր: Ի՞նչ էր անում նա 2 տարի: Եթե ​​ուզում եք իմանալ առաջինը Սեզանի մասին, դա այն է, որ Պիկասոն ասաց, որ նա ունի մեկ վարպետ, և դա Սեզաննան է: Պիկասոն հորինեց կուբիզմը, բայց նա իսկապես վերամշակում էր Սեզանայի գաղափարները: Սեզանն ատում էր, թե ինչպես են մարդիկ ցանկանում նկարել 3D- ով, երբ նկարներն իսկապես երկչափ են: Նա ուզում էր միաժամանակ շատ անկյուններից պրոյեկացիա ցանել: Հետևաբար տեսնում եք տարօրինակ ձևերը: Սեղանի կտորը և սեղանը նույնպես տարօրինակ տեսք ունեն: Բայց նա հստակ պատկերացում ուներ այն մասին, թե ինչ է ուզում ցույց տալ: Նա ցանկանում էր օգտագործել գույնը զանգված և խորություն ստեղծելու համար: Նա հավատում էր, որ որոշ գույներ հենվում են դեպի ձեզ, իսկ ոմանք նահանջում են: Colorsերմ գույները հակված են հենվելուն, իսկ որոշ գույներ, ինչպիսիք են կանաչ և կապույտը, ընկնում են: Դա իսկապես հասկանալու համար հարկավոր է ավելի շատ նայել նրա նկարներին: Բայց ինչ հրաշալի բան է, որ կարողանանք բացահայտել: